http://www.effenbert.com/index.php/es/effenbertspotelias

Caterpillars into Space, Marco Chiodi, 03:24, © 2011

A waterfall of a mountain stream has gotten light during one night in July. I placed a camera in a box underwater to film the space where the waterfall ends and creates a point of lights between bubbles.

This light installation is sponsored by Proled

Marco Chiodi, Flymax commercial video, 01:16, 2011, © Flymax, Marco Chiodi
This is the commercial video for the Flymax advertising campaign, a worldwide company creator of coffee machines.

Director: Marco Chiodi
Executive producer: Demis Gatti, Marco Chiodi
Female character: Sibil Barbagallo

Marco Chiodi, Judo notes #1, 00:48, © 2011

Notes about the judo technique Okuri ashi barai and the three steps Kuzushi – Tsukuri – Kake in Morote seoi nage.
It’s a repetitive system to find the right moment to act.

Credits:
Marco Chiodi
Marco Guarnieri
Ji-ta-kyo-ei Ciserano

Assediati da un “contemporaneo” marcato ovunque dalla ripetizione e dal cattivo gusto, abbiamo focalizzato la nostra attenzione sulla possibilità del kitsch di esprimersi attraverso elementi naturali, aspetto indagato anche dal critico d’arte Gillo Dorfles, il quale distingue due tipi di relazione tra il kitsch e la natura: la natura kitsch, e l’uomo kitsch di fronte ad una natura normale. La nostra attenzione cerca di definire l’elemento di contatto tra il kitsch e la natura. L’abbiamo individuato in un oggetto semiorganico spesso utilizzato per l’arredamento d’interni: l’animale tassidermizzato.

© Sara Mognol

© Marco Chiodi

www.metahaven.net

Il paradigma convenzionale vuole che i designer diano una forma al mondo. In realtà, essi vengono plasmati a loro volta da esso. Questo assunto, per quanto possa suonare banale, è un ottimo incipit per introdurre il gruppo di designer chiamato Metahaven, un collettivo olandese la cui pratica e i cui tentativi di rottura sono tutt’altro che ordinari. Si tratta di un cosiddetto “think-tank” operativo dal 2006, composto da Vinca Kruk, Daniel van der Velden e Gon Zifroni, tutti giovani designer e scrittori, ossessionati dal ricercare possibili connessioni tra design, grafica, scrittura,  visual identities, architettura e geopolitica.
Il loro principale obbiettivo è ripensare, attraverso la progettazione e la ricerca, alla personalità e alla potenzialità della politca nel design, per generare dei discorsi teroetici e visivi su dei temi commissionati oppue no, dando vita a dei progetti che possono rimanere nella dimensione dell’ipotetico e della proposta, tanto quanto manifestarsi in un’azione diretta.
Metahaven nella sua attuale configurazione funziona come tessuto connettivo tra posizioni teoriche e visive: se da una parte il collettivo afferma che siano necessarie nuove connessioni tra design e teoria, dall’altra rifiuta il fatto che queste categorie debbano operare ognuna sulla base di una mutua libertà che reprima quella dell’altra. La caratteristica fondamentale del loro lavoro è rendere il design un agente d’informazione della realtà, a sua volta “informato” dalla teoria. Ogni loro lavoro è frutto di una profonda e robusta ricerca teorica, che si può manifestare in un testo scritto, in un poster o in un appartamento; è in ogni caso fondamentale che ogni lavoro visivo porti con se le tracce di un’investigazione.
Questo perchè i Metahaven si sono formati nel tempo della cultura del “cercare”, piuttosto che in quello della cultura del “trovare”.  Le comunicazioni online e l’invisibile massa di informazioni che ci circondano e che costituiscono la densità del nostro presente, stanno rempiendo la realtà di contenuti troppo vasti e troppo diversi, perchè possano essere controllati dal design convenzionale. Per questo motivo il regime della ricerca sta rimpiazzando quello comandato dall’idea di dover essere organizzati per essere efficenti. Una delle idee di Metahaven è che probabilmente la ricerca farà un passo ulteriore, si potrà cercare nel sistema quello che ancora non c’è, e il contenuto sarà creato dalla ricerca stessa. Il designer che progetta una ricerca diventerebbe quindi un produttore attivo di contenuti? Queste sono domande che i componenti di Metahaven sollevano senza pretendere una risposta, sono ipotesi, proposte provocatorie,  animate dalla convinzione che il graphic design inteso come sistema di griglie e regole per dare un metodo, dovrà cambiare il suo paradigma per rivolgersi ad utenti abituati a cercare più che a ordinare.
Anche la questione della committenza è per loro legata alla dinamica della ricerca, i loro progetti a volte nascono da una richiesta specifica e prendono direzioni inaspettate, altre volte sono invece frutto di proposte auto-prodotte che incontrano le necessità di una committenza. Questo è il caso del loro progetto più celebre, “Metahaven Sealand Identity Project”, iniziato da Van der Velden nel 2003, dal cui titolo deriverà in seguito il nome e il logo scelti per questo collettivo. Si trattava di uno studio riguardante il Principato di Sealand, il piano era creare per quest’ultimo un’ipotesi d’identità nazionale, dalla bandiera alla moneta, dai francobolli ai passaporti, le iconografie e le araldiche. Sealand (vedi immagine di testa) è probabilmente la micronazione più conosciuta del mondo, con una superficie inabitabile di soli 550 metri quadri, è situata sulle fondamenta di un vecchio forte navale vicino alle coste britanniche. Il suo corrente assetto si basa su un cavillo legale grazie al quale Sealand reclama quel luogo trovandosi in acque internazionali. è a tutti gli effetti una zona grigia nel mondo globalizzato, un “fuori” nato dai perimetri di altri “interni”, le altre nazioni. Da qui il termine META, che si riferisce ad un altrove. Per un certo tempo è diventato anche la piattaforma neutrale per gli hackers e tutti coloro che erano in cerca di un luogo fisico in cui far circolare liberamente tutti i contenuti protetti da copyright e legislazioni internazionali, da cui il termine “haven”, che significa porto franco. Tra le tante contaddizioni e ambiguità che questo luogo può rappresentare, il gruppo Metahaven è particolarmente interessato al fatto che la territorialità di Sealand sia più una questione intellettuale che fisica. Esso non ha alcun significato di per se, il suo contenuto dipende dalle altre espressioni che lo circondano. è un momento in cui lo spazio si confonde con il concettuale, il reale e il virtuale, è la dimensione di quello che si può chiamare un “brand”. L’analogia tra brand e Sealand ha fornito la metafora ideale per il tipo di design che i Metahaven avevano in mente, un luogo in cui sarebbero stati liberi di pensare al di là e al di sopra della pratica. Il Pi greco, scelto come logo, non allude solo visivamente alla piattaforma – in matematica è un numero trascendente, è irrisolvibile. Proprio come l’identità di Sealand. Proprio come un design interessato al cercare e non al trovare.

White Night before a manifesto, è il manifesto scritto da Metahaven  nel 2008, dove viene definito il concetto di superficie. La superficie in senso generale significa spazio piatto da allestire, che viene sviluppata con lo scopo di produrre un valore. La produzione di superficie è l’equivalente nel design della produzione di spazio, e la sua moltiplicazione che prima era chiamata sovraccarico di informazione, è, secondo Metahaven, la nuova realtà del design. Essa non è territorio, non è fisica e può essere moltiplicata senza incontrare le limitazioni fisiche imposte dal territorio di qualcun’altro. Il designer diventa quindi, il geografo di qualcosa che non ha limiti, di un oceano senza sponde, con un valore non fisico, ma virtuale.
Metahaven sta progettando questa superficie, e ne individua due tipologie. La superficie muta (chiamata anche passiva), è quella classificata tramite le proprietà informative dei materiali di cui è composta. Può comunicare anche svuotata da informazioni, può comunicare in quanto tale. Il materiale, come l’oro o il platino, possiede un valore di mercato in base ad un accordo puramente convenzionale. La superficie che collima semanticamente con questo materiale è, per esempio, la carta di credito di plastica che recita “Gold”, i conigli di cioccolato Lindt ricoperti di carta oro, la lista di accesso ai tavoli della discoteca più glamour della città, dai quali è possibile sorseggiare champagne guardando le persone sulla pista da ballo dall’alto al basso.  È la superficie a creare aspettativa, sia che si tratti della carta di credito, del cioccolato, o di un tavolo nella discoteca. Essa non è altro che la trasformazione da privo di valore a prezioso tramite i mezzi dell’inganno psicologico. Auto-genera valore nella sua fase decisiva, quella post-materiale, quella virtuale.
La superficie attiva (o comunicativa), è classificata in base alla sua capacità di rivelare e di aprire ingressi a mondi virtuali nell’assenza di messaggio, mantenendo un sistema di agenti e di immagini di default. Stiamo parlando dello schermo del telefono cellulare, dello schermo del laptop, e , soprattutto, di internet. Le superfici attive sono abitate da mondi nei mondi, cioè, sono gli oggetti ( la maggior parte legati alla tecnologia) che hanno colmato la distanza tra una macchina determinata (che potremmo definire monotasking, capace di compiere una e una sola operazione) e una macchina che si appropria di altre funzioni (multi-tasking). L’orologio, ad esempio, oggi è diventato un oggetto estetizzante la cui funzionalità diventa fantasmatica. Il designer di un orologio di design, usa lo svuotamento del valore d’uso per anticipare una nuova necessità ad un altro livello di valore aggiunto, ottenuto dall’accumulazione di altri valori e significati sull’oggetto. Un valore d’uso assoluto, rimpiazzando ogni tipo di funzionalità immaginabile in uno strumento, è così palesemente utile de essere inutile. Oltre all’esempio lampante dello sviluppo degli ultimi anni dei media nomadi, come palmari, telefoni cellulari e lettori multimediali, questa superficie attiva oggi è, in primo luogo, ciò che è diventato internet. Nel manifesto White Night, Metahaven argomenta a riguardo:

Dopo il primo internet, che aveva homepages da navigare – luoghi distinti all’interno di una geografia – il sito per il social networking e il suo user-genereted-content, trasforma e raduna le precedenti disperse homepages in una singola superficie. All’interno di questa superficie i mondi esistono nei mondi, le scene nelle scene, gli amici negli amici, basandosi sull’aggiunta reciproca di superfici e di più ingressi per i tuoi amici e per gli amici dei tuoi amici come atto sociale mutualmente potenziato. Su questa forma di attività organizzata permane l’appropriazione corporativa in macro scala del guadagno pianificato.

Con questo intervento siamo arrivati al fulcro critico e politico della questione sollevata da Metahaven. Questo è il vero potere della superficie, la moltiplicazione delle superfici virtuali è un evento senza freni, a scopo speculativo. La superficie implica una relazione tra un doppio livello della realtà: il primo strato è ciò che appare nel mondo virtuale. Il secondo strato, o substrato è ciò che mette in moto e formalizza la superficie, il motivo economico e speculativo che, secondo Metahaven, struttura i social network e, più in generale, il mondo virtuale. La posizione in cui si trova oggi il designer nei confronti della superficie, è quella di tralasciare la funzione e di ridirezionare la procedura valutativa di un nuovo territorio. ‘Valore aggiunto’, diventa il nuovo campo di battaglia per un nuovo regime che capitalizza sulla speculazione. Sembra che l’acquisizione di prestigio di un designer sia direttamente proporzionale alla loro distanza con ciò che è materiale. Il problema è che i designers – sia per marketing o per finzione – innovano costantemente in maniera seduttiva e persuasiva questa superficie in continua espansione, il che stimola altri designers a fare la stessa cosa. Questa innovazione tende ad allontanare sempre più la superficie dal terreno materiale, connesso alla struttura storica e ai problemi politici su cui , originariamente, la superficie stessa si era annunciata.

La collezione permanente del Castello di Rivoli propone  diverse opere di rilievo nel panorama dell’arte contemporanea mondiale, molte delle quali con un forte impatto visivo. Alla fine del percorso espositivo risponde all’appello con discrezione e apparente silenzio un’opera di Massimo Bartolini, intitolata Head n.2 (lo studio). Provo una certa attrazione per questo lavoro, tanto da volerlo indagare in questo testo. Un’attrazione forse rafforzata dal principio di contrasto che il pensiero e la retina subiscono all’interno del Castello, cioè la contrapposizione tra il rumore visivo e il riposo dei sensi.

Head n.2 (lo studio) è una stanza, a cui si accede tramite una porta chiara al centro di una parete completamente bianca. Dall’esterno quasi non sembrerebbe un progetto artistico e il visitatore rischierebbe di passare oltre imboccando le scale che conducono all’uscita, se non fosse per la didascalia che riporta nome dell’autore e dell’opera, e di lato un cesto contenente dei copri-scarpe di plastica, di quelli che si indossano per entrare nelle aree sterilizzate degli ospedali, dove trascorrono la degenza i pazienti in terapia intensiva; spesso sono i malati più gravi.

Si entra uno alla volta. Fuori ad aspettare ci sono un paio di persone, attendo il mio turno senza fretta ma con la curiosità che aumenta, nutrita dall’attesa. Al cambio turno dello spettatore/visitatore, la porta si apre e si richiude svelando al di là di essa uno spazio giallo dalle dimensioni indefinite. Ecco il mio turno. Dopo aver calzano i copri-scarpe entro. Mi ritrovo in una stanza immacolata asettica, con un piccolo tavolino pieghevole, di quelli usati per andare in campeggio, di legno non trattato e molto chiaro, forse legno di pino, stile Ikea. La mia curiosità non si sofferma più di tanto sul tavolino, ma sull’ambiente che mi circonda: pareti, soffitto e pavimento sono dipinti di un giallo intenso, polveroso, come il polline. Il giallo acceca, definisce i contorni di tutto ciò che si stampa su di esso. Essendo solo però, non posso vedere nessuna figura, nessun compagno di bisboccia, che rompe la continuità del colore. La cosa non mi dispiace. Anche la porta è dipinta, e si percepisce soltanto per la maniglia (gialla) e il sottile profilo dell’intelaiatura. Vedo attorno a me solo questa indefinita tonalità di giallo. Gli spigoli delle pareti non esistono, sono arrotondati, creando delle curve che sfumano la differenza netta di esposizione di luce tra soffitto/parete/pavimento, rendendo omogeneo lo spazio, annullado le coordinate. La curva si svela nel punto i cui si interrompe, solamente di fronte al raggio d’apertura della porta. L’assenza percettiva degli spigoli impedisce all’occhio di focalizzare la distanza tra il mio corpo e la parete, dandomi l’illusione di essere “ritagliato” nel giallo, in uno spazio infinitamente grande, o estremamente piccolo e claustrofobico. Faccio un passo avanti con il braccio proteso, onde evitare di sbattere la faccia contro il muro, nello stesso modo in cui si procede goffamente in un ambiente privo di luce. Tocco con il dito la parete, e mi accorgo della ruvidità e soprattutto dell’opacità della texture. Quest’ultimo elemento, insieme alla luce calda e soffusa assorbe e sfuma l’ombra del mio corpo e quella del tavolino. A proposito, dopo qualche tempo di “piacevole mancanza di orientamento”, torno ad interessarmi dell’unico oggetto presente. Sulla superficie del piano è proiettata l’immagine  salvaschermo di un computer: piccoli puntini luminosi che ruotano in continuazione rendendo l’intero spazio vivo, tanto da sentirmi all’interno di qualcosa di organico.

Resto attratto da quell’ambiente, da quella condizione della stanza, tanto da soffermarmi forse più del dovuto. Sono egosta, geloso della mia posizione interna, privilegiata. Solamente dopo svariati minuti decido di uscire, e subito la pupilla dell’occhio si dilata per accogliere la luce di un ambiente più cupo di quello da dove provengo, che sembra essere un mondo nuovo. Non ci sono tornato nello stesso modo in cui l’ho lasciato. Qualcosa è cambiato, dopo essermi soffermato nella mente dell’artista. All’esterno si amplifica la sensazione di disordine e caos, di molteplicità della percezione di oggetti, persone, eventi, rumori. Causa di questa amplificazione è la comparazione mentale con la situazione interna. E la conclusione di questo “viaggio“ porta il mio pensiero, di riflesso, ad una domanda: che cos’è la realtà? se non la percezione della realtà?

Esistono, ogni tanto nel quotidiano, momenti, anche molto brevi, in cui il tempo sembra arrestarsi, galleggiare e non procedere, anche se a conti fatti lo sta facendo. Ma non importa, a “noi” piace pensarlo così, come nella condizione dentro Head n.2, sospeso. E finalmente, in uno spazio indefinito, la mente si vuota dal  pensiero, e nostalgicamente vien da pensare a quella frase che rese celebre il Faust di Goethe: “Fermati, attimo. Sei Bello.”

Marco Chiodi, The Lovers, video, 01:24, © 2010
In queste immagini, due amanti compiono azioni violente sintetizzate in un combattimento di judo. La maschera che indossano elimina il contatto visivo, isolando nel buio gli amanti, tesi verso la ricerca del contatto, verso il tentativo di percepire e poi sfruttare l’energia dell’altro seguendo la Via della Cedevolezza (Ju = gentilezza, adattabilità, cedevolezza, do = Via). La cedevolezza nell’immediato è un inganno; essa cela la risposta immediata al fine di far cadere l’amante al suolo, dove continua la lotta e dove il soffocamento diventa la Via da perseguire per ottenere il massimo risultato.

In these images, two lovers commit violent actions summarized in a judo fight style. The mask they wearing eliminates eye contact, isolating the lovers in the dark, tend toward the search for the contact, to attempt to perceive and then use the energy of the other following the way of gentleness (ju = gentle, adaptability, do = Way). The immediate gentleness is a trick: it conceals the immediate response in order to bring down her lover on the ground, where the fight continues and where the choke becomes the Way forward to achieve the best results.

Credits

judoka characters
him Marco Guarnieri
her  Silvia Gratton

thanks to
JI-TA-KYO-EI Judo Ciserano
Alessandro Foglieni
Pietro Chiodi
Lorenzo Vigori
© April 2010

da Jhon Berger, Sul guardare (Perchè guardare gli animali?)
Entro certi limiti gli animali sono liberi, ma, al pari dei visitatori, sanno bene che la reclusione è totale. La trasparenza del vetro, lo spazio fra le sbarre, l’aria al di sopra del fossato, non sono ciò che sembrano – se lo fossero, cambierebbe tutto. Trasparenza, spazio e aria si sono ridotti a puri simulacri…
É questo insieme di cose a renderli marginali. Lo spazio che abitano è artificiale. Di qui la tendenza a svignarsela ai margini. (Oltre i margini potrebbe esserci il vero spazio)…
In definitiva, la dipendenza e l’isolamento hanno a tal punto condizionato le loro reazioni che essi considerano ogni evento che si verifica intorno a loro – in genere di fronte, dove si dispone il pubblico – come marginale. (Di qui l’assunzione di un atteggiamento che sarebbe altrimenti esclusivamente umano: l’indifferenza.)

by Jhon Berger, About Looking (Why look at animals?)
Within certain limits, the animals are free, but, like the visitors, they know that the prison sentence is complete. The transparency of glass, the space between the bars, the air above the moat, are not what they seem – if they were, would change everything. Transparency, space and air are reduced to mere simulacra …
It is this combination of things to make them marginal. The living space is artificial. Hence the tendency to run away at the margins. (Out of margins could be the real space) …
Ultimately, addiction and isolation have so influenced their responses that they consider every event that occurs around them – usually in front, where you have the audience – as marginal. (Hence the assumption of an attitude that would otherwise only human indifference.)

Marco Chiodi, Passi di Quiete (Peace Steps), video, 04:34, 2009, © comitato Ev-K2-CNR

Questo video è la documentazione sintetica dell’impresa alpinistica sulla montagna Gasherbrum II avvenuta nel giugno 2007, quando tre alpinisti, Karl Unterkircher, Daniele Bernasconi e Michele Compagnoni, andarono in Karakorum (Pakistan) per salire la montagna, alta 8647 m s.l.m., dal suo lato ancora inviolato, la parete Nord. Due di loro riuscirono a raggiungere la cima, mentre Compagnoni abbandonava il tentativo, fermandosi a 7000 metri di altezza, a causa di un malore. Essendo una parete dove mai nessun uomo aveva messo piede, i tre alpinisti si trovarono di fronte il compito di dover pianificare la salita e quale linea della montagna scegliere per raggiungere la cima. Questo, in gergo alpinistico, si chiama “aprire una nuova via”. Dalla partenza al campo base fino alla vetta, ogni passo o bracciata compiuta sulla parete è stato un piccolo, ma fondamentale, superamento del limite. Le immagini, che sono state realizzate dagli stessi alpinisti, appartengono all’archivio del Comitato Ev-K2-CNR, il quale ha promosso e organizzato l’impresa. Queste immagini cercano di trasmettere allo spettatore il senso di fatica e di finitezza provati dagli alpinisti durante la scalata. La roccia e la montagna di ghiaccio, con il cielo limpido di quei giorni rendono il paesaggio in cui si trovano gli alpinisti sublime, nel verso senso del termine: questo luogo attrae e spaventa simultaneamente. Molti alpinisti muoiono durante le spedizioni alpinistiche. L’opinione pubblica, non avendo una risposta logica, si domanda quale sia il motivo che spinge l’uomo a compiere certi gesti mettendo a rischio la propria vita. Quando a inizio secolo chiesero a Hermann Buhl cosa spinge gli uomini a voler scalare l’Everest, lo scalatore austriaco rispose semplicemente: “perchè l’Everest esiste”.

This video is the summary documentation of the mountaineering expedition Gasherbrum II in June 2007, when three climbers, Karl Unterkircher, Daniele Bernasconi and Michele Compagnoni, went to Karakorum (Pakistan) to climb the mountain, 8647 meters high above sea level, going for its side still untouched, the North Face. Two of them managed to reach the top, while Compagnoni abandoned the attempt, stopping at 7000 meters high, due to an illness. Being a wall where no man had ever set foot, the three mountaineers were faced with the task of having to plan the ascent of the mountain and choose which line to reach the top. This, in climbing parlance is called “open a new route.” From start to base camp to the summit, each step or stroke made on the wall was a small, but crucial, limit exceeded. The images, which were made by the climbers themselves, belong to the archive of the Comitato Ev-K2-CNR, who has promoted and organized the expedition. These images try to convey to the viewer the sense of effort and finiteness tested by climbers during the ascent. The rock and the ice, with clear skies make the landscape of those days where the climbers were, sublime in the true sense of the word: this place attracts and rejects simultaneously. Many climbers die during the expeditions. The public wonders what the motive that prompts man to do certain acts endangering their lives, having no a logical answer. When a journalist asked at the beginning of the century to Hermann Buhl what drives men to want to climb Mount Everest, the Austrian climber simply replied, “because Mount Everest exists.”

Still frames the video. From top left clockwise: Gasherbrum II face north, Karl Unterkircher, Daniele Bernasconi, Michele compagnoni

This interactive video installation is an interpretation of the work of Rene Magritte La reproduction interdite. An LCD TV is installed vertically connected to a camera that films in the direction of the monitor. The viewer place between TV and video camera, will see his picture in the screen taken from behind, making it impossible for the vision of his face.
Negotium, from the Latin nego otium, deny idleness, is the title of the work, which acquires a defiant meaning: on the one hand occludes the vision of the face, on the other shows what we do not see and often do not know: the other side.
Installation created inside the clothing store 17mq, Guglie Bridge, Venice, on the occasion of the exhibition of contemporary art “Si è diffusa la voce che faremo un rave“, organized by Cesare Pietroiusti and Filipa Ramos, 19/12/2008.
See also: Gino De Dominicis, Specchio che tutto riflette tranne gli esseri viventi, 1969

Experimenting With An Organic Metaphor and Hypervisual Links for the Interface of a Video Collection is a multimedia object that functions as VideoArchive and proposes two original solutions to implement the interaction with it: the navigation through the use of an organic metaphor and a system that allows connection via “hypervisual” links between the videos, called hypervideo.
Original project realized for the degree thesis, University of Bergamo, supervisor Prof. Marco Lazzari
Proceedings of the 27th ACM conference on Human factors in computing systems (CHI 2009), Boston, MA, USA, 2009
more info: ACM digital library, Aisberg

© Marco Chiodi 2008